El jazz , verdadero exponente de la música , vive la improvisación , la ira, la emocion, todo al mismo tiempo  al escuchar cada sonido, y un sentimiento aún desconocido al entonarlo, interpretar las grandes obras de jazz, y demostrar todo lo que uno siente a través de un piano o un saxofon , una trompeta, un violin, etc. ¡VIVE JAZZ!

Existe una lista muy extensa de músicos grandiosos, he aqui algunos de ellos:

RAY CHARLES

B.B. King

Ray Charles

Ray Charles Robinson (23 de septiembre de 1930- 10 de junio de 2004) fue un cantante, saxofonista y pianista de soul. R&B y jazz, ciego desde la infancia.
Una de las figuras más relevantes de la música negra del siglo XX. En su repertorio puede hallarse desde el blues más tradicional o el gospel hasta el jazz o el soul, estilo en el que desarrolló una vertiginosa carrera. fue galardonado con doce premios Grammy.

Ciego desde los siete años, Ray Charles aprendió a leer y componer música en el sistema Braille. Por influencia de su ídolo King Cole, fundó en Seattle, en 1948, un trío llamado McSon Trio (también conocido como Maxim Trio). En 1950 se asoció con Lowell Fulson, cantante y guitarrista de blues y acaso su mejor revulsivo. También participó en las bandas de T-Bone Walker y de Joe Turner, que figuraban entonces entre los abanderados del blues.

Su trayectoria discográfica se inició en 1953, cuando fue contratado por el agente Ahmet Ertegun, que le introdujo en la compañía Atlantic Records. A partir de entonces Ray Charles sería conocido como una de las figuras señeras e imprescindibles del rhythm & blues. Formó una banda en la que también se integraron David Newman (saxo) y Joe Bridgewater (trompeta). A mediados de la década de los años cincuenta Ray Charles creó esa suerte de magnífica fusión entre el blues, el gospel y el swing, e impuso a su música también lo frenético del rock & roll.

Ya con su canción I got a woman (1954) se situó en lo más alto de la música negra. No obstante, esto fue sólo el principio. Después llegarían otros grandes éxitos como Hallelujah o I love her so, en los que introdujo como novedad el piano eléctrico en bandas de rhythm & blues. Estas bandas, por otro lado, se asemejaban ya a grandes orquestas, en las cuales era posible encontrar a trompetistas como Joe Hunt o Marcus Belgrave, saxos como Hank Crawford, David Newman o Don Wilkerson, y contrabajistas como Edgar Willis, además de algún que otro coro femenino (las llamadas Raelets) con cantantes tan sobresalientes como Mary Ann Fisher o Marjorie Hendrix.

Durante los años cincuenta, que fueron mayormente de proyección internacional, participó en proyectos de músicos de jazz muy reconocidos, como es el caso de Milt Jackson (con quien grabó el famoso Soul brothers), Betty Carter, Oscar Pettiford, Kenny Burrell o Billy Mitchell. También triunfó en algunos festivales carismáticos como el de Newport (1958) o en el templo del jazz, el conocido Carnegie Hall (1959). En 1960 visitó Europa y triunfó con su éxito Georgia in my mind; en el viejo continente, en los años ochenta, sería incluso más reconocido que en Estados Unidos.

Ray Charles fue uno de los mitos del rhythm & blues. Su estilo, personalísimo y eficaz, influido en primera instancia por Louis Jordan, Charles Brown y el inefable Nat King Cole, siguió ganando adeptos durante medio siglo y ha hecho de él uno de los personajes más carismáticos de la historia de la música. Su fusión de variados estilos musicales resultó un hallazgo. Conjugó a la perfección rhythm & blues y rock & roll.

Dueño de una voz singular y reconocible por todos, su figura trajeada se convirtió en uno de los iconos más representativos de la música del siglo XX. Su voz rota, marcada y trágica una veces, melodiosa y dulce otros, e instalada en la frontera de sus propios recursos interpretativos, constituyó una de sus mejores dotes, y puede parangonarse con las de Louis Armstrong, Nat King Cole o Bessie Smith. Colaboró también con Frank Sinatra o Ella Fitzgerald, así como con Stevie Wonder.

Como pianista, su estilo también marcado y percusivo fue casi insuperable dentro del estilo del blues negro. Acordes superpuestos, ritmo frenético o melodías suaves y cadenciosas en las baladas son los rasgos musicales más características de Ray Charles al piano.  Incursiono en el cine: algunas de sus películas fueron Swingin’ alone, de Charles Barton (1960), o Ballad in blue, de Paul Henried (1964). En 1978 publicó su autobiografía, Brother Ray.

Pocas semanas antes de su muerte, celebrar su concierto número 10.000 en el Teatro Griego de Los Ángeles, todo un hito en el mundo de la música. Su funeral, al que acudieron 1.500 personas dentro del recinto religioso. La última grabación que hizo en vida, un disco de duetos titulado Genius loves company (en el que participaron entre otros Norah Jones, Van Morrison y B.B. King) . En febrero de 2005, el disco fue galardonado con ocho premios Grammy en la 47ª edición de este certamen. En enero de 2005 se estrenó un largometraje sobre su vida titulado Ray, dirigido por Taylor Hackford.

 BB.KING

(Ben Riley King; Indianola, EE UU, 1925) Guitarrista estadounidense de blues. Inició su andadura en la música como disc-jockey en una importante emisora de radio de Memphis, donde se oiría por primera vez su propia música y popularizaría su nombre artístico. Grabó tanto su primer disco en 1949 como el que le lanzaría definitivamente a la fama, Three o’clock blues. Máxima figura del rhythm and blues, B.B. King creó escuela con su guitarra. Todavía en los años noventa muchos grupos consagrados seguían solicitando su colaboración: así, los Rolling Stones o U2. Dotado de una voz potente y de una personalísima técnica interpretativa, King fue el espejo donde se miraron los bluesmen más eminentes de las nuevas generaciones, como Albert King o Eric Clapton.

En Menphis-Tennesse conoció a Sonny Boy Williamson II, con quien colaboró como disc-jockey en su programa de radio. En la emisora lo llamaban Blues Boy, apodo que abreviaría para formar su nombre artístico: B.B. King.

Gracias a sus contactos radiofónicos, a finales de 1949 grabó su primer disco: Miss Martha King. Dos años más tarde le llegó el éxito con su octavo single, Three o'clock blues, un verdadero superventas. En la década de los años 60 traspasó todas las fronteras: no era ya solamente un genio del blues, sino también uno de los mejores intérpretes de la música popular de todos los tiempos. En 1964 grabó su ya legendario Live at the Regal e inició un serie de giras que lo llevarían tres años más tarde a participar en el Festival de Jazz de Montreux y, en 1968, en el de Newport Folk. Después vendrían sus conciertos en Europa y su gira, en 1970. De esta etapa es su álbum The thrill is gone. Años más tarde, en 1976, editó su disco Together for the first time.

Títulos posteriores de su discografía fueron Live at Sant Quentin (1990), Live at The Apollo (1991), There is always one more time (1992), King of the blues (1992), Blues summit (1993) y Heart to heart (1994), que grabó a dúo con Diane Schuur. En 1995 sacó su álbum Lucille and friends, un recopilatorio para el que contó con la colaboración de célebres colegas del blues, como Boby Blands, y de cantantes como Stevie Wonder o Ringo Star. Al año siguiente, en 1996, publicó su álbum How blue can you get, un recopilatorio de 29 temas grabados en directo en treinta años de conciertos. Aunque desde esta fecha no grabó más trabajos propios, colaboró con artistas como el español Raimundo Amador en Noches de flamenco y blues (1999), con Eric Clapton en el álbum Riding with the king (2000) y con el compositor italiano Zucchero Fornaciari en su álbum Zu & Co (2005), en el que se reúnen músicos y estilos variopintos.

Canciones como Caledonia, Rock me baby, When loves comes to town o Ain't nobody's business sobresalen entre las que han contribuido a hacerle mundialmente famoso. Merecedor a lo largo de su carrera de trece premios Grammy, numerosos galardones han premiado su trayectoria: recibió la Medalla de las Artes de Estados Unidos e ingresó en 1992 en el Salón de la Fama. Conocido como el rey del blues, B.B. King no se separa nunca de su guitarra, Lucille, con la que ha dado a lo largo de su trayectoria profesional miles de conciertos.

 MILES DAVIS

  Miles Davis nació en 1926. Sus primeros admiradores también fueron músicos blancos, fundamentalmente, Harry James y Bobby Hackett. Seriamente interesado en la música, tomó clases de Elwood Buchanan, trompetista ocasional de la orquesta de Andy Kirk, cuando aun no había cumplido los trece años. De este músico recibió su primer consejo que llevó a rajatabla durante toda su vida "..toca sin vibrato, ya temblaras cuando seas viejo". Ese fue el embrión de ese estilo liso y lírico, aparentemente frio pero emocionante hasta casi llorar.

     Con 16 años cumplidos, tuvo la oportunidad de salir de gira con la orquesta de Tiny Bradshaw pero la negativa del padre se lo impidió. En 1944 escuchó por primera vez a Charlie Parker y Dizzy Gillespie en la orquesta del cantante, Billy Eckstine.

     En 1949, Miles germinó su primera obra capital en la historia del jazz. Junto al compositor Gil Evans y músicos de la talla de Gerry Mulligan y Lee Konitz entre otros, grabó "Birth Of The Cool", una obra que dio paso al celebre "Noneto Capitol" una empresa democrática que repartía responsabilidades entre solista, compositor y arreglista. En aquélla época sufrió su primera detención por consumo de droga y en 1951 fichó por el sello "Prestige" para el que grabó años después cuatro formidables álbumes que figuran entre lo mejor de su discografía. Atrás quedaban la tormentosa sesión de grabación con Thelonius Monk y su participación en el famoso quinteto de John Coltrane.

     Precisamente la colaboración de Miles con Coltrane convenció a los jefes de la Columbia para que Miles firmara con ellos. En la arcas de Columbia, están algunas de las mejores grabaciones de Miles, entre ellas el obligatorio, "Kind Of Blue" grabado en 1959, las grabaciones en directo en el "Plugged Níkel" de 1965, el mil veces referenciado como el primer disco del jazz-rock de la historia titulado: "Bitches Brew" o el disco que inauguró la etapa eléctrica de Miles titulado "In a Silent Way" de 1969. En aquella época, a su alrededor se precipitaban los acontecimientos y en los años sesenta la psicodelia, y el rock llamaban con fuerza a la juventud de entonces y Miles no quiso apearse del autobús. Sus discos empezaron  tomar un sesgo cada vez ruidoso y en sus banda predominaban cada vez mas los bajos eléctricos y guitarras amplificadas y si bien eso le ayudó a aumentar su popularidad entre las nuevas generaciones, su creatividad disminuía notablemente.

     Poco después de un concierto celebrado en Madrid en 1990 se le manifestaron los primeros síntomas de una enfermedad que le llevó a la muerte. Falleció en Santa Mónica el 28 de septiembre de 1991. Nadie como Miles Davis quien se llevó el secreto de su música y de su vitalidad.

JOHN COLTRANE

John Coltrane, era uno de esos pocos hombres, en arte o en otras cosas, que son capaces de hacer la revolución. Con su saxo se convirtió en uno de los creadores mas importantes de toda la historia del jazz.

     Coltrane, había comenzado a tocar el saxo siendo aun adolescente y en 1943, su familia se trasladó a Philadelphia donde obtuvo una beca para estudiar música. A su regreso del servicio militar en Hawai, -donde formó parte de una banda de música- Coltrane descubre el bebop y en 1947 formará parte de la orquesta de Eddie "Cleanhead" Vinson, donde descubre las posibilidades del saxo tenor. En 1949 se incorpora como saxo alto a la gran orquesta de Dizzy Gillespie, allí permanece incluso cuando la banda se disuelve al año siguiente ya con el saxo tenor en sus labios. Entre 1952 y 1954 trabaja con varios músicos de sideman y no es hasta septiembre de 1955 cuando el saxofonista contacta con Miles Davis para formar parte de su quinteto junto al pianista, Red Garland, el contrabajista, Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones.

     Ese mismo año se casa con su primera esposa, Juanita Grubss (de nombre musulmán, Naima). Sus progresos se evidencian en el disco "Round Midnight" de septiembre de 1956 para Columbia en el quinteto de Miles. Su afición a las drogas se agudiza y Miles le despide de su grupo y el saxofonista aprovecha para trasladarse a Philadelphia con la intención de desintoxicarse de la heroína y el alcohol. En la primavera de aquel año, se incorpora al cuarteto de Thelonius Monk, que actuaba en el club Five Spot de New York. Vuelve con Miles Davis en 1958 y al año siguiente graban el inmortal álbum: "Kind of Blue".

     A partir de ahí, su carrera es meteórica y firma un contrato con el sello, Atlantic y deja dos discos inconmensurables: "Giant Steps" y "Coltrane Jazz". El primero se convierte por derecho propio en uno de los disco cumbres del Hardbop. Viaja por primera vez a Europa en 1960 donde es recibido multitudinariamente. A su regreso decide formar su propio grupo. Es en 1960 y lo forman  el pianista, McCoy Tyner, el contrabajista, Steve Davis, sustituido luego por el definitivo, Jimmy Garrison, y el batería, Elvin Jones. El cambio a la música modal se inicia en octubre de 1960 cuando graba el tema: "My Favorite Things" y incorpora a su repertorio el saxo soprano, un instrumento que desde los tiempos de Sidney Bechet y con la excepción de Steve Lacy, nadie lo había incorporado al jazz moderno. 

     Durante este periodo incorpora a su música el interés por folklores ajenos  a la tradición europea: el flamenco (Olé Coltrane), la música  y ritmos africanos (Dahomey Dance, África) la música india (Aisha) etc. En muchas de estas obras aparece el saxo alto, clarinete bajo y flautista, Eric Dolphy, que permaneció en su cuarteto desde 1961 hasta marzo de 1962 y a partir de ahí da comienzo un nuevo proyecto con su firma para el sello Impulse! donde graba en directo desde el Village Vanguard de New York, una serie de conciertos absolutamente geniales. Parte otra vez hacia Europa en 1963 y al año siguiente graba un álbum (Crescent) que indica el desplazamiento espiritual en su música que llega luego con su álbum quizás más conocido por el gran publico: "A Love Supreme". Un nuevo giro a su música en 1965 con un concepto mas radical es inaugurada con el disco "Ascensión" que señala su definitiva adscripción al movimiento "freejazz". 

     John Coltrane, cambia a sus músicos en función de su nuevo sonido y su enfermedad le obliga a ralentizar sus grabaciones siendo lo mas destacable en sus últimos años otra actuación en el "Village Vanguard" y una gira por Japón. Las ultimas grabaciones de 1967 - incluidas las aparecidas tras su muerte - dan la impresión  de que iban encaminadas en una dirección donde el protagonismo era la pureza del sonido pero su muerte en 1967 a consecuencia de una infección hepática le privó de alcanzar su sueño de visitar África.

 LOUIS AMSTRONG

    Louis Armstrong, nació el 4 de julio de 1900 en New Orleáns (Louisiana) en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de aquélla ciudad. Sin antecedentes musicales en su familia, su interés por este arte se germina oyendo tocar en su ciudad natal las célebres bandas neorleanesas que desfilan habitualmente por las avenidas de la ciudad. Su primer contacto con la música tuvo lugar en un reformatorio para niños abandonados cuando es admitido por buena conducta en la banda del reformatorio. Allí aconsejado por el director musical de la misma, Peter Davis, opta por la trompeta entre otros otros instrumentos.

     Cuando en 1914 sale del reformatorio, empieza a trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad, y allí conoce al cornetista, King Oliver. En 1918, con una bien ganada reputación como cornetista, es contratado por el director de orquesta, Kid Ory. Poco tiempo después, es Fate Marable, quien se fija en él para que se incorpore a su prestigiosa banda que actúa diariamente en los barcos de vapor que navegan por el Mississippi. En 1922, llega su gran oportunidad: King Oliver lo llama para que se incorpore a su "Creole Jazz Band" en Chicago. Allí comienza su apoteósica carrera. Graba sus primeros discos y su fama llega a oídos del mismísimo, Fletcher Henderson, el mejor director de orquesta negro del momento, quien le ofrece un contrato para que se una a su banda. En sólo un año, revoluciona el estilo y la forma de tocar de sus compañeros y graba con las mejores cantantes de blues de la época, entre otras con la gran, Bessie Smith.

    Deja la banda de Fletcher, y entre 1925 y 1928, inicia uno de los capítulos mas trascendentales de la historia del jazz. Forma sus dos propios grupos, primero los "Hot Five" y luego los "Hot Seven" y las grabaciones de aquellos años constituyen la semilla germinal de todo el jazz que hoy conocemos. Son diecisiete años al frente de grandes formaciones. Viaja a Europa por primera vez en 1932, vuelve en 1934 consiguiendo un espectacular éxito en Paris. Hollywood lo reclama y aparece en numerosas películas de desigual calidad. A mediados de los años cuarenta, forma su celebérrimo grupo: "All Stars" con el trombonista, Jack Teagarden, el clarinetista, Barney Bigard, el pianista, Earl Hines, el baterista, "Big Sid" Catlett, y el contrabajista, Arvell Shaw. Con ellos, Louis Armstrong se presenta el 13 de agosto de 1947 en el club: "Billy Berg's" de Los Ángeles y esa nueva etapa, se prolongaría hasta el final de su vida. Grabó innumerables discos, ofreció magníficos conciertos, sus músicos se renovaban sin que la calidad del grupo se resquebrajara, y el mundo entero escuchó a Louis Armstrong llevar su sempiterna sonrisa por los cinco continentes hasta que dos días después de celebrar su 71 cumpleaños, el corazón le dejó de funcionar. Falleció en su casa de Corona (New York) el 6 de julio de 1971. 

 DUKE ELLINGTON

(Edward Kennedy Ellington; Washington D.C., 1899-Nueva York, 1974) Pianista, compositor, arreglista y líder de grupo de jazz estadounidense. Se inició en la práctica musical tomando clases de piano a los siete años. Ya en sus comienzos recibió la influencia del ragtime, género de música popular en boga en aquella época y uno de los estilos de los que derivaría el jazz. Con sólo diecisiete años debutó profesionalmente en su ciudad natal. Desde 1919 tocó con varios grupos de la capital estadounidense hasta que en 1922 fue llamado para actuar en Nueva York, el punto de referencia para todo músico de jazz. Duke Ellington

Aunque no logró triunfar, adquirió la experiencia necesaria para formar su propio quinteto, The Washingtonians, con los que adquirió renombre suficiente como para realizar unas pruebas en el celebérrimo local neoyorquino Cotton Club, en Harlem. A partir de ese momento, su fama y su prestigio se fueron consolidando; las emisiones radiofónicas de sus conciertos se hicieron habituales y las apariciones de Duke Ellington and The Washingtonians en diversas películas, junto a las diversas giras que realizó por Estados Unidos y Europa, contribuyeron a fomentar su creciente popularidad.

El quinteto original fue incorporando nuevos miembros, hasta completar un total de doce en sus primeras apariciones en el Cotton Club. A principios de los años treinta, composiciones como Mood Indigo (1930) o Sophisticated lady (1933) se convirtieron en grandes éxitos y marcaron el inicio de la época dorada para el músico y su big band. Hacia el fin de la Segunda Guerra Mundial, abordó la composición de obras de mayor aliento temático y formal, por lo común en forma de suites sinfónicas, como Black, brown and beige (1944), Frankie and Johnnie (1945) o Deep South Suite (1946).

Pero en esa misma época el formato de gran orquesta dejó de gustar a un público que, inmerso en la revolución bop, se decantaba por formaciones más reducidas y con mayor peso de un instrumento solista. A pesar de ello, Duke Ellington decidió permanecer fiel a los que siempre fueron su estilo y su manera de entender la música, e incluso aumentó aún más el nivel de exigencia de los componentes de su formación, entre los que se contaron a lo largo de los años figuras como el trompetista Cootie Williams o el saxofonista Johnny Hodges.
Su aparición en el Festival de Jazz de Newport en 1956 significó el relanzamiento de The Washingtonians, con los que inició una serie de giras por el extranjero que incrementaron su ya considerable fama internacional. En 1959, se adentró en el campo de la música cinematográfica y compuso la banda sonora de los filmes Anatomy of a murder (Anatomía de un asesinato), primero, y Paris Blues (Un día volveré), un año después. Ellington y su banda en una jam session (1944)

Durante la década de 1960 grabó con una larga serie de jóvenes músicos de gran talento como Charlie Mingus, John Coltrane o Max Roach. Simultáneamente empezó a interesarse por la música litúrgica y compuso piezas como In the beggining of God, que fue estrenada en la catedral de San Francisco en 1965. Permaneció al frente de su orquesta hasta su fallecimiento, momento en el cual tomó el relevo su hijo Mercer Ellington.

En su haber quedan numerosos reconocimientos, de entre los que sobresalen los títulos de Doctor honoris causa por las Universidades de Howard en 1963 y Yale en 1967, además de la Medalla Presidencial del Honor que se le concedió en 1969. Fue nombrado también miembro del Instituto Nacional de las Artes y las Letras de Estados Unidos en 1970, y en 1971 se convirtió en el primer músico de jazz miembro de la Real Academia de la Música de Estocolmo. Según su biógrafo, Derek Jewell, Duke Ellington llegó a escribir unas dos mil piezas musicales en toda su vida, si bien son incontables las que consiguió en trozos de papel luego perdidos, que elevarían la estimación a unas cinco mil piezas.

 CHET BAKER

    Chet Baker, nació en el ambiente de una granja rural típica de la región de Oklahoma. Hacía 1940, su familia se traslado a California, y allí su padre, aficionado a la guitarra, le inculcó la afición por el jazz a través de los discos de Jack Teagarden, un trombonista de la época del swing. Su primer instrumento fue lógicamente un trombón, pero su futuro no estaba escrito para deslizar varas, sino para presionar pistones. En el conservatorio de su ciudad, el "Glendale High Shool", aprendió nociones básicas de trompeta y enseguida empezó a tocar en las bandas juveniles imitando a los grandes trompetistas blancos de la época, Bix Beiderbecke y Harry James.

    Con 16 años se alistó en el ejercito y cuando se licenció, estudio teoría musical en el "Camino College", de Los Ángeles. Allí entró en contacto con los mejores trompetistas del bebop: Fast Navarro, Dizzy Gillespie, Red Roney, etc. Como el trabajo no abundaba, se reenganchó en el ejercito en 1950 aunque un destino nada cómodo en el desierto de Arizona le separó definitivamente de la vida militar. Vuelve a California y tuvo la fortuna de que Charlie Parker, que estaba de gira por la zona, necesitaba un trompetista para su grupo. Chet Baker, se puso a la cola de los mas de cincuenta aspirantes al puesto que esperaban turno de audición en el "Tiffany's Club". Después de escucharle, "Bird" tuvo bastante, suspendió la audición y lo contrató para varios conciertos en su gira californiana y también en Canadá. Tan impresionado quedo Charlie Parker de aquel joven, que a la vuelta a New York, advirtió a Dizzy Gillespie y a Miles Davis, que anduvieran con cuidado con aquel joven trompetista blanco.

     Conoció a Gerry Mulligan, en 1952 y formaron un peculiar cuarteto, el magnifico, "Gerry Mulligan Quartet" en el que por primera vez, desaparecía el piano para dejar paso a una línea de vientos ágil y contundente al mismo tiempo. Aquél sonido se hizo tan popular que fue tomado como insignia del del jazz que se hacía en la Costa Oeste de los Estados Unidos, a pesar de que Mulligan procedía de New York y Baker tenía todos sus admiradores en la Costa Este. Cuando Baker y Mulligan se separaron, el trompetista encontró a su siguiente socio, el magnifico pianista, Russ Freeman, con el que graba discos importantísimos. Viaja  a Europa en 1955, y lleva al piano a Dick Twardzik, sustituyendo a Freeman  que prefirió no viajar. Tiene problemas por asuntos de droga, y es detenido en Italia y posteriormente en Alemania, acusado de traficar con heroína. Graba unas excepcionales grabaciones en Paris y vuelve a New York donde con motivo de una brutal paliza, pierde los dientes y la facultad de embocar bien la trompeta. Se recuperó lenta y dolorosamente y en la última etapa de su carrera grabó numerosos y magníficos discos especialmente para sellos europeos. Su muerte se produjo en extrañas circunstancias - dicen que alguien lo arrojó por una ventana, el 13 de mayo de 1988. Con su muerte, el jazz perdió a un músico excepcional.

JAMES ULMER BLOOD

  El guitarrista, James "Blood" Ulmer, inició su andadura musical a los siete años de edad cuando cantaba en el grupo de Gospel "The Southern Sons", No fue hasta 1959 cuando comenzó a tocar la guitarra en la ciudad de Pittsburg, y solo dos años después, en 1961, realizó su primera gira por los Estados Unidos, Canadá y las Islas Vírgenes con el grupo "Jewel Brenner and the Swing Kings".

     En 1963, se afincó en Columbia (Ohio) y fundó su primer grupo al que llamo "Bloods and Bloodbrothers" y que disolvió un año después. Entró en 1963 en el grupo del organista, Hank Marr, con el que marchó a Europa y grabó su primer disco. En 1968, se trasladó a Detroit en busca de nuevas experiencias y por fin llegó a New York con su nuevo grupo y en 1971, establecido y consolidado en la "Gran Manzana" actuó primero en el mítico "Minton's Playhouse" y a continuación, disolviendo de nuevo su formación, entró a formar parte del grupo del gran Ornette Coleman, con quien definitivamente adquirió el reconocimiento musical que andaba buscando. Con Ornette, realizó una breve gira por Europa y a la finalización de la misma, volvió a formar otro grupo propio denominado: "The Music Revelation Ensemble".

     La actividad musical de este inquieto guitarrista, le llevó a colaborar con los grandes músicos de la vanguardia jazzistica americana. Así, tocó con Archie Shepp, Cal Massey, George Adams o Cecil McBee. En 1973, colaboró puntualmente con los Jazz Messengers de Art Blakey, con el saxofonista, Joe Henderson y por fin en 1977, grabó como líder su primer disco titulado "Revealing" con un notable éxito. Al año siguiente, en 1978, grabó lo que está considerada su obra maestra para el sello DIW, el disco "Tales of Captain Black", con la extraordinaria colaboración de Ornette Coleman. La edición de ese álbum le abrió de par en par los estudios de grabación y su fama se extendió por los ambientes jazzisticos de New York y Chicago principalmente. 

     En la década de los ochenta continuaron las grabaciones de discos, a su nombre o de jazzmen de otros músicos. Colaboró extensamente con el grupo Phalanx, compuesto por George Adams, al saxo tenor, Rashied Ali, a la batería y Sirone al bajo. En los últimos años del siglo XX, Blood Ulmer seguía participando activamente en la creación de un sonido netamente afroamericano, continuador de la sonoridad creativa de Ornette Coleman y otros grandes maestros del freejazz.

  

COLEMAN HAWKINS

 Los primeros y mas fundamentales capítulos de la historia del saxofón tenor en jazz fueron escritos de puño y letra por Coleman Hawkins. Ello fue fruto de una larga y concienzuda evolución de un instrumento que adaptó perfectamente para el lenguaje musical del jazz.

     Su familia era de clase acomodada y desde niño comenzó  estudiar piano. Con siete años estudió violonchelo y con nueve comenzó a aprender a tocar el saxo tenor, un instrumento que entonces no era utilizado en el jazz y que en las orquestas comerciales se tocaba con una técnica que recordaba demasiado a la de los músicos de circo. En esa época inicia en el "Washburn College" de Kansas City, estudios de música clásica que completará en Chicago, ciudad a la que se trasladará con su familia en 1919 y donde tiene la oportunidad de oír por primera vez jazz.

     Debuta profesionalmente en 1920 en una orquesta de la región de Kansas City, y al año siguiente es contratado por la famosa cantante de blues, Mamie Smith, que solía tener en su grupo músicos de altísima calidad como Buster Bailey, Sydney Bechet, o Bubber Miley. Con ella llegará a New York y grabará su primer disco y empieza a darse a conocer en los círculos jazzisticos de la gran manzana. En 1923, entra a formar parte de la orquesta de Fletcher Henderson, que con él en sus filas y la incorporación el año siguiente de un jovencísimo, Louis Armstrong, se convertiría en la primera bigband de toda la historia y en la que Hawkins permanecería once largos y magníficos años hasta hacer de  esa orquesta la mejor de su época.

     En 1934, Coleman Hawkins, deja la banda de Henderson y se marcha a Europa y en Inglaterra firma un jugoso contrato con la orquesta de Jack Hylton. Es expulsado de la Alemania nazi por el color de su piel y se recluye en Holanda primero y después en Francia grabando en Paris discos con músicos locales y coincidiendo con su amigo Benny Carter, que también se había desplazado a la vieja Europa. En 1939 regresa a los Estados Unidos donde encuentra que sus viejos discípulos están pisando fuerte en la escena jazzistica y donde conoce por primera vez a un saxofonista de Kansas que empieza hacerle sombra. Se llamaba Lester Young y se destacaba entre los demás saxofonistas, por poner en práctica un estilo distinto al suyo por primera vez en veinte años.

     Hawkins, monta su propia orquesta y graba el histórico tema: "Body and Soul" uno de los grandes estándares de jazz desde entonces y que significará su consagración definitiva como uno de los grandes creadores del jazz. A partir de ese momento, se le empieza a conocer como el "padre del saxofón tenor". Disolvió su bigband en 1941 y trabajó con grupos mas pequeños. En la segunda mitad de los años cuarenta, será una de las estrellas del "Jazz at the Philarmonic", la organización musical creada por Norman Granz, que se encargaría de llevar el jazz a todos los rincones del mundo.

     Entre sus registros destaca la colaboración con Roy Eldridge y Oscar Peterson, en los años cincuenta y dejó grabados algunos discos extraordinarios como los titulados: "The Genius of Coleman Hawkins" (Verve 1957) o el espléndido "High and Mighty Hawk"también para Verve en 1958. En 1962 graba un disco memorable con Duke Ellington": "Duke Ellington meets Coleman Hawkins" (Impulse!) y en 1966, graba el ultimo disco de su vida "Sirius" (Pablo) pues a partir de esa fecha su salud empieza a jugarle una mala pasada falleciendo tres años después victima de una pulmonía, el 19 de mayo de 1969 en el hospital Wickersham de New York. 

     Con el desapareció el hombre que fue al saxo tenor, lo que Louis Armstrong a la trompeta: el inventor de las primeras y por consiguiente, mas importantes reglas músico-instrumentales, que determinarían la configuración, concepto y lenguaje del saxofón tenor en el jazz de todos los tiempos.  

LEE KONITS
Lee Konitz (Chicago, 1927) es uno de los discípulos mas dotado y heterodoxo salido de la escuela del gran pianista, Lennie Tristano. Su sonido fue y es, una voz de referencia indispensable y original para los músicos blancos de la Costa Oeste americana y del movimiento cool. Gran improvisador, perfeccionista puro, creativo y versátil, Lee Konitz, es hoy, todavía en activo, uno de los saxofonistas mas importantes del jazz.

     Sus comienzos en la orquesta de Claude Thornhill, en 1947, ya presagiaban el gran músico en ciernes que vendría después. Lo confirmaría plenamente cuando Miles Davis, lo llamó para formar su celebérrimo "Noneto Capitol", con el que grabaría el germinal álbum titulado "Birth of the Cool" en  1949. Estuvo con Miles Davis, dos años, entre 1948 y 1950 y entremedias, estuvo colaborando con el renovado sexteto de Lennie Tristano en 1949. En los años cincuenta, otra asociación musical importante marcó la carrera de Lee Konitz; conoció al pianista, Warne Marsh y junto a él, logró algunos de sus mejores discos. En 1952, se enroló en la orquesta del excelente arreglista y compositor, Stan Kenton, con quien estuvo hasta 1954, y partir de ese año año desarrolló su carrera como líder en solitario. Ha grabado y trabajado con los mejores músicos de jazz: Charles Mingus, Gerry Mulligan, Paul Bley, Don Friedman, Joe Henderson o Elvin Jones.

     En 1954, inicia con el álbum "Very Cool" para el sello Verve, un espectacular comienzo discográfico con músicos todos ellos adscritos a la escuela de Tristano: el trompetista, Don Ferrara; el pianista, Sal Mosca; el contrabajista, Peter Ind, y el baterista, Shadow Wilson. Desde entonces la carrera de Lee Konitz, continua a pesar de su veteranía, en todo lo alto del escenario jazzistico como Apoloybaco pudo comprobar insitu, cuando el gran maestro del saxo apareció por Sevilla en noviembre de 1997 en la 8ª edición del festival de jazz de la provincia de aquel año en Alcalá de Guadaira.

AQUI LES DEJO UNA LISTA CON LAS MEJORES CANCIONES Y EXPONENTES DEL JAZZ DESD 1940 HASTA1950

The Best Jazz Albums of the 1940's

1940 Duke Ellington: In A Mellotone (1940) Duke Ellington: Sophisticated Lady (1940) 1941 1942 1943 Duke Ellington: Black Brown and Beige (1943) 1944 Coleman Hawkins: Rainbow Mist (1944) 1945 Mary Lou Williams: Zodiac Suite (1945) 1946 1947 1948 1949 Lennie Tristano: Crosscurrents (1949) Duke Ellington: Liberian Suite (1949) Lee Konitz: Subconscious-Lee (1949) Bob Wilber: Jazz Band (1949)

The best of the decade Lennie Tristano: Crosscurrents (1949) Duke Ellington: Liberian Suite (1949) Lee Konitz: Subconscious-Lee (1949) Coleman Hawkins: Rainbow Mist (1944)

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The Best Jazz Albums of the 1950's

1950 Miles Davis: Birth of the Cool (1950) Stan Kenton: Presents (1950) Ralph Sutton: Ralph Sutton (1950) Lennie Tristano: Wow (1950) Stan Getz: Quartets (1950) 1951 Stan Kenton: City of Glass (1951) Oscar Peterson: 1951 (1951) Shorty Rogers: Modern Sounds (1951) 1952 Gerry Mulligan: Mulligan Quartet (1952) 1953 Duke Ellington: Piano Reflections (1953) Ben Webster: King Of The Tenors (1953) Modern Jazz Quartet: Django (1953) Shorty Rogers: Cool And Crazy (1953) Jay Jay Johnson: Four Trombones (1953) 1954 Sarah Vaughan: Sarah Vaughan (1954) Chet Baker: Sextet (1954) 1955 Herbie Nichols: The Third World (1955) Ahmad Jamal: Poinciana (1955) Erroll Garner: Concert by the Sea (1955) George Shearing: Spell (1955) Horace Silver: Horace Silver and the Jazz Messengers (1955) Lennie Tristano: Lennie Tristano (1955) Oscar Peterson: Al Zardis (1955) Frank Morgan: Frank Morgan (1955) Herbie Nichols: Herbie Nichols Trio (1955) Frank Sinatra: Songs for Young Lovers (1955) 1956 Charles Mingus Pithecanthropus Erectus (1956) Modern Jazz Quartet: Fontessa (1956) Thelonious Monk: Brilliant Corners (1956) Sonny Rollins: Saxophone Colossus (1956) George Russell: Jazz Workshop (1956) Lennie Tristano: Manhattan Studio/ New York Improvisations (1956) Max Roach: Plus Four (1956) John Lewis: Grand Encounter (1956) Horace Silver Six Pieces of Silver (1956) Kenny Burrell: All Night Long (1956) Lucky Thompson: Tricotism (1956) Phineas Newborn: Piano Artistry (1956) Miles Davis: Round About Midnight (1956) Zoot Sims: Tonite's Music Today (1956) Mel Torme`: Touch (1956) Quincy Jones: This Is How I Feel About Jazz (1956) Stan Kenton: Cuban Fire (1956) Jimmy Giuffre: The Jimmy Giuffre Clarinet (1956) Jimmy Smith: A New Star A New Sound (1956) 1957 Charles Mingus: Tijuana Moods (1957) Art Blakey: Orgy In Rhythm (1957) Yusef Lateef: Jazz Mood (1957) John Coltrane: Blue Train (1957) John Lewis: Piano (1957) Milt Jackson: Soul Brothers (1957) Miles Davis: Miles Ahead (1957) Kenny Burrell: All Day Long (1956) Ben Webster: Soulville (1957) Sonny Rollins: Way Out West (1957) Ben Webster: Tenor Giants (1957) Art Pepper: Meets the Rhythm Section (1957) Art Taylor: Wailers (1957) Max Roach: Jazz in 3/4 time (1957) Jay Jay Johnson: Blue Trombone (1957) Hank Mobley: Quintet (1957) Herbie Mann: Flute Souffle (1957) Tito Puente: Top Percussion (1957) 1958 Sonny Rollins: Freedom Suite (1958) Jimmy Giuffre: Western Suite (1958) Sun Ra: Jazz in Silhouette (1958) Art Blakey: Moanin' (1958) Cecil Taylor: Looking Ahead (1958) Jimmy Smith: The Sermon (1958) Blue Mitchell: Big Six (1958) Max Roach: Deeds Not Words (1958) Clark Terry: In Orbit (1958) Cannonball Adderley: Somethin' Else (1958) Chico Hamilton: Gongs East (1958) Hank Mobley: Peckin' Time (1958) Mongo Santamaria: Yambu (1958) Cal Tjader: Latin Concert (1958) Toots Thielemans: Man Bites Harmonica (1958) Thelonious Monk: Misterioso (1958) Jimmy Giuffre: The Four Brothers Sound (1958). 1959 Ornette Coleman: The Shape of Jazz To Come (1959) George Russell: New York New York (1959) Miles Davis: Kind Of Blue (1959) Charles Mingus: Mingus Ah Um (1959) John Coltrane: Giant Steps (1959) Art Pepper: Plus Eleven (1959) Billy Taylor: And Four Flutes (1959) Charles Mingus: Blues and Roots (1959) Gerry Mulligan: What Is There To Say (1959) Horace Silver: Blowin; the Blues Away (1959) Horace Silver: Finger Poppin' (1959) Illinois Jacquet: Flies Again (1959) Ira Sullivan: Blue Stroll (1959) Jimmy Heath: The Thumper (1959) Milt Jackson: Bags And Trane (1959) Dave Brubeck: Time Out (1959) Mongo Santamaria: Mongo (1959) Jimmy Giuffre: Seven Pieces (1959)

The best of the decade Charles Mingus Pithecanthropus Erectus (1956) Ornette Coleman: The Shape of Jazz To Come (1959) Modern Jazz Quartet: Fontessa (1956) George Russell: New York New York (1959) Stan Kenton: City of Glass (1951) Sonny Rollins: Freedom Suite (1958) Thelonious Monk: Brilliant Corners (1956) Miles Davis: Birth of the Cool (1950) Miles Davis: Kind Of Blue (1959) Sonny Rollins: Saxophone Colossus (1956) Charles Mingus: Tijuana Moods (1957) Herbie Nichols: The Third World (1955) Jimmy Giuffre: Western Suite (1958) George Russell: Jazz Workshop (1956) Art Blakey: Orgy In Rhythm (1957) Sun Ra: Jazz in Silhouette (1958) Lennie Tristano: Manhattan Studio/ New York Improvisations (1956) Yusef Lateef: Jazz Mood (1957) Gerry Mulligan: Mulligan Quartet (1952) Ahmad Jamal: Poinciana (1955)

AQUI UN VIDEO DE UN CONCIERTO COMPLETO DE B.B.KING !ES EXELENTE¡